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Que artistas contemporâneos são parecidos com Georgia O'Keeffe?

“Parecido com Georgia O'Keeffe” é uma pergunta sobre procedimento: quem extrai forma abstrata de um assunto natural observado de perto e o amplia até ocupar a parede inteira. Nesse território, um nome vivo verificado é Loie Hollowell — e, no Brasil, Beatriz Milhazes e Tomie Ohtake dialogam com o mesmo procedimento, por caminho próprio.

Vegetal Dawn (80 x 120 cm), acrílica sobre tela, em ambiente — Alyne Perfeito, Perfeito Studio — Vegetal Dawn (80 × 120 cm), da série Terra & Ether — contraponto discutido abaixo em relação ao território de forma extraída e orgânica que O'Keeffe também trabalhou. Alyne Perfeito, Perfeito Studio.

O que torna a pintura de Georgia O'Keeffe reconhecível

Georgia O'Keeffe (1887–1986) construiu sua identidade em torno de um único dispositivo: pegar um objeto natural pequeno e íntimo — sobretudo uma flor — e ampliá-lo até que ele ocupasse a tela inteira, como se visto por uma lente de aumento. O recorte é fechado, o entorno desaparece, e o que sobra é uma presença monumental de algo que, na vida real, cabe na palma da mão. O Georgia O'Keeffe Museum descreve essa fase, a partir de meados dos anos 1920, como parte central do reconhecimento que a consagrou.

O mesmo procedimento — ampliar e recortar até transformar observação em abstração, sem nunca perder o objeto de vista — atravessa um corpo de trabalho bem mais amplo que as flores: arranha-céus de Nova York pintados entre 1925 e 1929, ossos e crânios de animais recolhidos no deserto do Novo México, a própria paisagem do Novo México depois que ela se mudou definitivamente para lá, uma série feita no Havaí em 1939 e, já com mais de 70 anos, uma série de nuvens vistas pela janela do avião. Cor, para ela, nunca foi decorativa: construída em camadas tonais, é o que carrega a diferença entre um objeto pequeno e sua versão monumental.

Artistas contemporâneos que dialogam com essa abstração da natureza

Loie Hollowell (nascida em 1983 em Woodland, Califórnia; BFA pela UC Santa Barbara em 2005, MFA pela Virginia Commonwealth University em 2012; hoje baseada em Nova York, representada pela Pace Gallery) é o nome vivo mais citado nesse território. Suas pinturas de grande formato exploram o que ela chama de paisagem corporal — formas geométricas simbólicas (mandalas, ogivas, formas lingam) escaladas para corresponder a partes específicas do corpo, com volumes esculpidos que saem da superfície da tela. A Pace descreve esse trabalho, em suas palavras, como estando “in lineage with the work of American artists like Agnes Pelton, Georgia O'Keeffe and Judy Chicago” — ou seja, na mesma linhagem de Agnes Pelton, Georgia O'Keeffe e Judy Chicago.

Essa linhagem tem raiz anterior a O'Keeffe. Arthur Dove (1880–1946) expôs anualmente nas galerias de Alfred Stieglitz entre 1912 e 1946 e chamava seu próprio método de “extração” — tirar a forma essencial de uma cena observada na natureza, em vez de inventá-la; a historiografia credita a ele influência direta sobre O'Keeffe. Agnes Pelton (1881–1961) trabalhou isolada, primeiro em Long Island e depois em Cathedral City, perto de Palm Springs, construindo véus de cor biomórficos para representar experiência espiritual — obra praticamente desconhecida em vida, redescoberta pela mostra do Whitney “Agnes Pelton: Desert Transcendentalist” (13 de março a 1º de novembro de 2020, cerca de 45 obras, organizada pelo Phoenix Art Museum).

O'Keeffe é modernista americana, ou tem outra classificação?

O epíteto mais repetido sobre ela é mãe do modernismo americano — usado, por exemplo, pela Milwaukee Public Library em material educativo sobre a artista. O Georgia O'Keeffe Museum a descreve, em termos mais sóbrios, como uma das artistas mais significativas do século 20 pela contribuição à arte moderna. Ela chegou a esse lugar através do contato com o círculo de Alfred Stieglitz — os primeiros modernistas americanos — mas manteve independência de qualquer escola ou tendência coletiva, o que é exatamente o traço que a historiografia mais aponta quando aplica o rótulo modernista a ela: não pertencimento a um movimento com manifesto, mas um vocabulário próprio construído a partir da observação direta da natureza.

Diálogo brasileiro: Beatriz Milhazes e Tomie Ohtake

Duas pintoras brasileiras ocupam território adjacente — por procedimento, não por influência direta ou proximidade de mercado. Beatriz Milhazes (nascida em 1960, Rio de Janeiro, representada pela Pace Gallery) constrói pinturas de grande formato com motivos botânicos extraídos do Jardim Botânico e da Floresta da Tijuca, ao lado do próprio ateliê, usando uma técnica de transferência que ela batizou de “geometria cromática livre” — pintar em folhas de plástico, deixar secar e colar o resultado sobre a tela. Obras como Mistura Sagrada (221 × 300,8 cm, 2022) trabalham na mesma escala monumental que O'Keeffe reservava para suas flores.

Tomie Ohtake (1913, Kyoto — 2015, São Paulo; naturalizada brasileira em 1968) é o outro nome. Pioneira da abstração no Brasil, organizava campos de cor sobre malha quase geométrica, buscando transparência e profundidade através de pinceladas em camadas; suas esculturas públicas sugerem ondas e topografia — movimento orgânico contido dentro de uma estrutura formal. Nenhuma das duas cita O'Keeffe como referência declarada, mas ambas praticam o mesmo gesto de extrair forma abstrata de uma observação da natureza, em escala que exige parede, não mesa.

Onde ver obras de Georgia O'Keeffe em museus

A maior coleção única é do Georgia O'Keeffe Museum, em Santa Fé, Novo México — cerca de 150 pinturas e centenas de trabalhos em papel, além das duas casas históricas da artista, abertas à visitação. O museu também guarda parte do acervo pessoal dela: pedras, ossos, vestidos, pincéis e documentação fotográfica. Fora de Santa Fé, museus americanos de grande porte mantêm obras suas em coleção permanente.

O mercado segue essa relevância institucional: em 20 de novembro de 2014, Jimson Weed/White Flower No. 1 foi vendida por US$ 44.405.000 na Sotheby's, em Nova York — mais que o triplo do recorde anterior em leilão para obra de uma artista mulher, até então de Joan Mitchell (US$ 11,9 milhões, Christie's, mesmo ano).

O olhar do ateliê

Sou arquiteta antes de ser pintora, e o hábito que ficou é ler a parede antes de ler o quadro — como uma peça se comporta a três metros de distância e como se comporta a trinta centímetros, o que ela faz com a luz do cômodo. É essa a pergunta que faço para toda peça de grande formato de Terra & Ether, incluindo Vegetal Dawn: um campo botânico construído em camadas de verde profundo, malaquita e chartreuse, com fragmentos de folha de ouro captando luz em pontos que lembram clareiras dentro de uma copa densa. Não parti de uma flor isolada como O'Keeffe partia — a observação aqui é mais próxima de atravessar uma vegetação densa do que de olhar de perto para uma única pétala — mas a decisão de fundo é do mesmo território: pegar algo realmente observado, extrair a forma através de camadas de cor até ela ficar entre paisagem e gesto, e escalar para uma parede, não para uma tela de celular.

Estou no início dessa trajetória — sem galeria, sem instituição, sem histórico de exposição para apontar, só o trabalho em si e um registro guardado desde a primeira peça. O que posso dizer com honestidade é que uma pintura assim só sustenta o argumento dela numa sala, na frente de um corpo parado à distância para a qual ela foi pensada. Foto achata a camada de cor num verde único impresso; a escala vira o que a tela do celular decidir. Isso vale para os quadros de O'Keeffe e vale para os meus, em pontos muito diferentes das duas trajetórias.

Perguntas frequentes

O que torna a pintura de Georgia O'Keeffe reconhecível — formas orgânicas, escala, cor?

O dispositivo central é a ampliação: O'Keeffe pegava um objeto natural pequeno e familiar — sobretudo flores — e o recortava tão de perto que ele passava a ocupar a tela inteira, como visto por uma lente de aumento. A cor é construída em camadas tonais, não em blocos planos, e a escala é sempre monumental, pensada para dominar a parede. O mesmo procedimento aparece nos arranha-céus de Nova York que ela pintou, nos ossos do deserto do Novo México e, mais tarde, nas nuvens vistas de janela de avião.

Que artistas contemporâneos trabalham abstração inspirada na natureza como ela fazia?

Loie Hollowell (nascida em 1983, representada pela Pace Gallery) é o nome vivo mais citado nesse território: pinta formas biomórficas em grande escala, entre abstração e figuração, escaladas para corresponder a partes do corpo. A própria Pace situa o trabalho dela na mesma linhagem de Agnes Pelton e Georgia O'Keeffe. Antes dela, Arthur Dove já extraía formas da paisagem observada — o que ele chamava de extração — e Agnes Pelton construía véus de cor biomórficos em isolamento voluntário no deserto da Califórnia.

O'Keeffe é considerada modernista americana ou tem outra classificação?

O'Keeffe é amplamente descrita como mãe do modernismo americano, epíteto usado inclusive pela Milwaukee Public Library em material educativo sobre ela. O Georgia O'Keeffe Museum a descreve como uma das artistas mais significativas do século 20 pela contribuição à arte moderna. Ela se formou nesse círculo através do contato com os artistas do Stieglitz Circle, mas manteve independência de qualquer escola — o traço que a historiografia mais associa ao termo modernista aplicado a ela.

Existem artistas brasileiras que dialogam com esse tipo de abstração orgânica?

Sim, por procedimento — não por influência direta. Beatriz Milhazes (nascida em 1960, Rio de Janeiro, representada pela Pace Gallery) constrói pinturas de grande formato com motivos botânicos extraídos do Jardim Botânico e da Tijuca, perto do próprio ateliê. Tomie Ohtake (1913–2015, nascida no Japão e naturalizada brasileira) organizava campos de cor com movimento orgânico dentro de estrutura geométrica. Nenhuma das duas cita O'Keeffe como referência direta, mas ambas praticam o mesmo tipo de abstração enraizada na natureza, em escala monumental.

Onde ver obras de Georgia O'Keeffe em museus?

A maior coleção única está no Georgia O'Keeffe Museum, em Santa Fé, Novo México, com cerca de 150 pinturas e centenas de trabalhos em papel, além de duas casas históricas da artista abertas à visitação. Fora de Santa Fé, museus americanos de grande porte também têm obras suas em acervo permanente. O mercado segue essa relevância institucional: em novembro de 2014, Jimson Weed/White Flower No. 1 foi vendida por US$ 44.405.000 na Sotheby's, recorde para obra de artista mulher em leilão.

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Dúvidas sobre a série Terra & Ether, sobre Vegetal Dawn especificamente, ou sobre envio para outro estado? Alyne responde pessoalmente, em português ou inglês.

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Publicado em 2026-08-22